Damián Ortega e il suo memoriale vivente a un dinosauro automobilistico

Damián Ortega e il suo memoriale vivente a un dinosauro automobilistico
Damián Ortega e il suo memoriale vivente a un dinosauro automobilistico

Un insieme di eventi personali e fenomeni globali provocarono l’esplosione creativa che mandò in mille pezzi il Maggiolino Volkswagen. Anche senza testa di serie, l’auto è perfettamente identificabile Cosa cosmica (1997), l’opera più famosa dell’artista messicano Damiano Ortega. L’installazione occupa un’intera sala di Proa, come parte della mostra Specchi del Messicoe concentra il germe di la sua poetica generazionale di fine Novecento, una certa nostalgia per tecnologie che sembravano già obsolete, insieme alle idee di comunità che la globalizzazione stava dissipando. Proprio ora è esposto nel Palazzo delle Belle Arti di Città del Messico Picco e maisuna retrospettiva di Ortega, la prima in 30 anni che, dopo aver fatto il giro del mondo, arriva nel paese d’origine.

Di Cosa cosmica Si può azzardare un’ipotesi di arte contemporanea messicana: nel momento in cui New York e le città europee furono abbandonate come mecche esclusive dell’arte, in un’apertura che creò biennali e motivò i viaggi degli artisti, un gruppo di giovani ha formato un laboratorio di sperimentazione attorno al poliedrico artista Gabriele Orozcopoco più vecchio di Ortega e del resto dei compagni e figlio del grande muralista.

Damian Ortega. Beetle, 2005. Pellicola da 16 millimetri trasferita su file digitale.

Se qualcosa Cosa cosmica Lo troviamo nel fantastico pezzo “DS” (La Citröen di Orozco, tagliata a metà e ricomposta in una personale che fece il giro del mondo), Abramo Cruzvillegas Può raccontare le stesse storie dal suo posto perché ha anche partecipato al “Workshop del venerdì”. Con Giulietta Aranda e Rafael Lozano-Hemmer, gli altri due artisti presenti in questa attraente mostra, condividono lo spirito cosmopolita dei contemporanei. “Abbiamo un legame generazionale”, dice Ortega N prima dell’apertura della mostra. Del suo lavoro sono inclusi anche schizzi e un video Super 8 della performance rituale in cui seppellì il suo “Vocho”. Così chiamano l’iconico Maggiolino, con cui un tempo erano tutti i taxi del Distretto Federale, ma anche gran parte dei veicoli circolanti.

–Il tuo pezzo più famoso, Cosa cosmicaparla molto del Messico dal punto di vista culturale, ma ha raccolto letture diverse.

–Io la chiamo la “cosa cosmica” per messicanizzarla. È un fenomeno molto strano che la Volkswagen, un’auto tedesca progettata per la guerra, si sia trasformata in un’auto popolare, più giovane, più hippie e capace di autoripararsi. È diventata un’auto con una complicità tutta speciale per chi la riconosce: c’è un viaggio nostalgico, lo si vede negli occhi degli spettatori.

–Ma la vostra operazione critica anche l’idea del Messico come fabbrica statunitense.

–Ci sono molte letture, molto estese e in luoghi diversi. Da un lato quello che cercavo di più era la decostruzione di una composizione sociale, di un sistema. Come ogni elemento gioca una posizione importante, e ogni pezzo dialoga con gli altri, si incastra, si completa a vicenda, ognuno con le sue virtù. Che nulla è superfluo, tutto è essenziale. Un grande inno alla comunità, a questa struttura sociale complice; anche all’individualità davanti al sistema. È stato visto anche come una messa in discussione della reintegrazione delle due Germanie. Tuttavia tra i miei riferimenti prevaleva l’idea del dinosauro, come nel Museo di Storia Naturale di New York, dove vedi questo fossile dalla testa alla coda sul retro dell’edificio, una cosa che non esiste più ed è memoria . di un periodo. Di brillante bellezza e, tuttavia, non è un riferimento all’arte ma a qualcosa di biologico o scientifico, archeologico. Come sezionare uno scarabeo.

Boceto per Cosmic Thing 4, 2016

–Come il bambino che smonta il dispositivo per vedere cosa c’è dentro…

–Quello è l’altro. Ogni bambino gioca con la curiosità di aprire le cose per vedere come funzionano, cosa c’è dentro e come funzionano.

–La decostruzione ha un significato nuovo che rimanda al personale, ai mandati e alle idee, soprattutto negli uomini…

–Guarda, con l’auto ho iniziato a fare i disegni di un manuale su come riparare l’auto, ma il primo pezzo che ho realizzato con un oggetto rotto è stata la torcia portatile di mio padre. Ho separato le batterie, le molle, il coperchio, la lampadina e il sistema di filtraggio e li ho posizionati in un corridoio della casa. Lo spiegai qualche anno fa in casa di Sigmund Freud, a Londra, e un medico venne a interpretare le opere basate sulla psicoanalisi. È stato un esercizio divertente perché non era mia intenzione, ma mi hanno detto che Freud interpretava sempre la luce come la presenza del paterno, del patriarca che porta la fiaccola, e l’opera era una decostruzione della figura paterna, della mascolinità. È apparso qualcosa che è sintomo del tempo.

“Vocho” di Damián Ortega in Proa. Uno simile è esposto a Città del Messico. Foto: Ariel Grinberg.

–La decostruzione è un modo molto attuale di vedere le cose, dalla cucina molecolare alla segmentazione. Ma lavori anche in grandi dimensioni. Perché?

–Quella frammentazione è interessante come segno storico di questo momento, della trasformazione del tutto, che è venuto da un gene, un atomo, un byte, una molecola o un pixel. I grandi cambiamenti iniziano su una scala più piccola, la più piccola che ci sia. E in questo senso mi ha toccato anche il momento storico in cui siamo passati dall’analogico e dal meccanico a una digitalizzazione globale e internazionale. Per me questo pezzo è un render tridimensionale ma realizzato con strumenti del tutto classici, pezzi che pendono, che hanno un peso, si percepiscono al tatto, hanno una temperatura, si disidratano: sono oggetti reali e molto fisici in un’epoca in cui erano cominciava ad essere riprodotto sul computer, con questa immagine che potevi digitalizzare e vedere ovunque.

–Che corda ti lega alla tradizione dell’arte messicana?

–Notare che c’è un inizio di rottura. Non volevo andare all’università per studiare quello che lì veniva insegnato, dando per scontato che quella dovesse essere arte. Per me è stato molto importante trovare un percorso alternativo perché non sapevo dove andare, ma sapevo dove non volevo andare. Non volevo fare pittura, arte gestuale o arte rappresentativa. Cose intuitive. E fortunatamente ho trovato una squadra con cui lavorare e imparare, è stato un processo molto generoso. Un ecosistema interno (N. di R: Il workshop del venerdì), dove tutti hanno contribuito. La figura centrale, Gabriel Orozco, era un po’ più grande di noi e ha influenzato molto il modo di pensare e strutturare il lavoro, generando, più che una scuola, una dinamica di lavoro. Eravamo un po’ in disparte rispetto a ciò che stava accadendo, ma qualcosa stava fermentando. È stato un momento molto emozionante.

Moby Dick, 2004 Video trasferito su file digitale 9′ 42′, di Damián Ortega.

–E cosa restava dell’arte messicana?

–Mi sono avvicinato a Gabriel perché suo padre era stato un muralista e per me era la strada giusta. lo sapevo già Non volevo fare arte borghese convenzionale ma essere nello spazio pubblico e riprendere quel dialogo del muralismo con l’architettura. Quella cosa della sperimentazione plastica e dell’umorismo. Ho iniziato a fare caricature e studiare pittura con Gabriel, e questo ci ha portato alla scultura. Il muralismo è un’arte site-specific che dialoga con le funzioni dello spazio e con le relazioni storiche di quello spazio, e questo aveva a che fare con l’installazione, che a quel tempo rappresentava per me un nuovo approccio all’arte. Non era poi così divorziato. Molti dicevano che era qualcosa di estraneo, lo sai, ma io ho insistito sul collegamento. Adesso lo dico con più leggerezza, perché si vede negli anni, quella che allora era un’intuizione un po’ confusa, caotica.

-Proprio adesso è in mostra a Città del Messico Picco e mais, una retrospettiva del tuo lavoro. Cosa ti suggerisce vedere l’opera nel suo insieme?

-Nota che il mio lavoro è stato recensito in altri paesi, ma è la prima volta in 30 anni che arriva in Messico. Ed è stata una grande sorpresa. ritorno al luogo d’origine e dove le opere hanno una complicità di linguaggio e tecnologici, di come si trasformano in qualcos’altro. Sento che c’è quel gioco – anche in relazione all’arte contemporanea – per cui una cosa si decontestualizza e può diventare qualcos’altro. È un gesto minimo, come un filo che si attorciglia. C’è una magia, una saggezza o un’alchimia nella cultura che può trasformare una cosa. O anche parole che smettono di essere ciò che sembrano e acquistano un doppio significato. Questo ha a che fare con quanto accaduto in Messico con la mostra.

 
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