Quello del suono dal vivo è un dibattito che si ripresenta ogni tanto e che divide sia la critica che il pubblico, anche se forse per gli artisti non interessa così tanto. Ad esempio, durante l’ultimo grande tour di Rosalía, nell’estate del 2022, Fernando Neira (critico musicale di questo giornale) ha detto nel suo resoconto X che lo spettacolo che il catalano ha dato al Centro Wizink, senza un solo musicista sul palco, era più un karaoke che un concerto. Julián García, responsabile della Cultura di elPeriódico, ha difeso che quella messa in scena era “sperimentale e futuristica” e che coloro che sentivano la mancanza dei musicisti lo facevano partendo da una concezione della musica dal vivo troppo “purista e arcaica”, quando non “stantia”.
Taylor Swift, di cui non ha quasi mai destato sospetti riproduzione Durante i suoi tour è sfuggito a questo tipo di critiche grazie ad una band poco visibile ma posizionata strategicamente agli angoli dei suoi palchi; Ma dell’altra grande star bionda dello spettacolo universale, cioè di Madonna, ultimamente si è detto di tutto. Alcuni video della cantante e centinaia di testimonianze di fan che lamentano, paradossalmente, che la sua voce suona troppo bene dal vivo, sollevano qualcosa di più di un sospetto: che ci sia in lei Spettacoli troppe parti con voce preregistrata.
In contesti un po’ più piccoli, la discussione divampa in certi generi (c’è chi si chiede se quello che fanno gli Sleaford Mods o La Elite, senza chitarre in vista, possa essere considerato punk) e scompare tra gli appassionati di musica urbana e hip-hop. abituato al formato rapper più DJ o produttore e, più recentemente, a far pubblicare le proprie canzoni al proprio artista preferito da un mixer, traccia vocale inclusa. In questi ultimi casi, straccivendoli e perforatori come Tommy Cash, si occupano solo, sul palco, di cantare ritornelli con la propria voce, aggiungendo “improvvisazioni” (quelle piccole onomatopee caratteristiche di ogni figura, come “praw” per Cecilio G) e per incoraggiare il pubblico. Charli XCX ha fatto qualcosa di simile durante l’ultimo Primavera Sound secondo molti partecipanti: suonando le sue canzoni e cantando sopra a volte, a volte no.
Per Aarón Sáez, membro di Varry Brava e Carey (un progetto, appunto, più organico e artigianale), non ha senso misurare quale percentuale di ciò che viene suonato durante una performance dal vivo viene interpretato in quel momento, e che, secondo per lui è anche compositore: “La musica è viva perché la vivi dal vivo. Discutere su quale grado di programmazione impedisce di rendere la musica reale o meno è come discutere su quante parti del tuo corpo puoi cambiare finché non ti consideri un cyborg. Naturalmente, riflettere su queste domande può aiutarci a sapere cosa vedremo – o sentiremo o sentiremo – quando andremo a un concerto e come si è evoluto man mano che i mezzi tecnologici e le condizioni materiali degli artisti sono cambiati.
Economia dei media e digitalizzazione
In Smettila di dare senso, il concerto dei Talking Heads registrato nel 1984 da Jonathan Demme, se qualcosa suona è perché c’è qualcuno che la fa suonare sul palco. È la stessa logica che segue Neil Young quando interpreta Luna del raccolto, Fa spazzare il palco da uno dei suoi musicisti (in questa canzone, il suono di una scopa di paglia fa parte delle percussioni). Ma se diversi decenni fa aveva senso cercare di riprodurre davanti al pubblico tutto ciò che era accaduto durante la registrazione del brano in studio, oggi l’informatizzazione di questi studi (che si sono ridotti al punto da diventare, in molti casi, un laptop con il Software appropriato) ha cambiato tutto e apre le porte ad azioni molto diverse. “Ho visto come il percorso tra produzione e pubblicazione si è accorciato”, afferma Dani Cantó, co-fondatore dell’etichetta Snap! Applaudi! Club. “Molte volte la produzione avviene senza l’intervento di strumenti reali, attraverso processi sintetici. “Prima, le band erano costrette a reinterpretare ciò che avevano fatto su un computer utilizzando strumenti reali perché altrimenti qualcosa non funzionava o pensavano che non fosse musica, ma non ha più senso.”
Il critico britannico Simon Reynolds ha dedicato il suo ultimo libro, Futuromania, alla musica elettronica. Nell’introduzione al suo saggio, Reynolds scrive di come la musica programmata o creata utilizzando sintetizzatori, drum machine o sequenziatori generi nell’ascoltatore l’illusione di trovarsi di fronte a qualcosa di “inumano, alieno o postumano”, ma nulla potrebbe essere più lontano dalla verità. : Dietro quella “apparenza e lucentezza inorganica”, ci sono sempre le idee e le mani di una persona. L’impiego di sintonizzazione automatica nel pop contemporaneo (il dibattito intorno ad esso può considerarsi superato anche dai più recalcitranti) illustra bene questa idea: sono proprio le decisioni di ciascun artista su quando e quanto usarlo a trasformarlo in un altro strumento e tratto distintivo stile.
L’informatizzazione della musica dal vivo, quindi, risponde a due ragioni che spesso convergono: da un lato è economica, perché, come ricorda Cantó, “è molto costoso avere un gruppo numeroso, avere una retroguardia, gestire le cache… ed è molto complesso suonare tutti i tuoi elementi attraverso una band. La digitalizzazione aiuta l’artista a non dover ripetere cose che sono già state perfezionate nel campo della produzione e non hanno bisogno di essere nuovamente toccate”; e, d’altra parte, consente lo sviluppo di nuovi suoni ed estetiche o dà libertà sul palco. “Ci sono gruppi a cui piace reinterpretare le proprie canzoni con più musicisti e giocare con altri suoni”, dice Javier Aguilar, del gruppo Chill Chicos. “Ci sono altri che preferiscono che tutto suoni più simile alla registrazione e utilizzino più tracce originali. Possiamo facilmente dargli quel tocco da band più classico. Ma inseriamo sempre tutti i sintetizzatori e i ritornelli che non sono le voci principali da supportare. Alla fine il nostro progetto non si distingue per la sua purezza musicale, anzi, e nemmeno noi abbiamo quella modestia rock”.
Virtuosismo contro sentimento
Nel 2011 ci fu un piccolo scandalo negli ambienti indie di Madrid. L’esibizione di John Maus, parte del festival Primavera Club, è stata accolta con fischi e lancio di oggetti. Maus faceva quello che faceva in tutti i suoi concerti in quel periodo: suonava le sue canzoni e ci urlava sopra, mostrando qualcosa di più simile a un prestazione che ad un concerto rock. Il pubblico non la prese affatto bene e l’artista, anni dopo, riconobbe in un’intervista a Mondo Sonoro che quella brutta esperienza lo segnò al punto da “avere molto a che fare con il motivo per cui ho tre ragazzi che suonano con me in questo momento”. .” Già allora si parlava di un pubblico sorprendentemente intransigente, ma oggi una situazione così spiacevole sarebbe impensabile. “Adesso ci sono rapper o artisti che si dedicano solo a incoraggiarci, cioè a farci vivere la musica in un certo modo”, spiega Cantó. «Possiamo considerarli come vogliamo: animatori d’albergo o supervisori Filatura“Che importa, l’importante è il loro compito: che ci sia comunione con il pubblico, che abbiano la capacità di creare una vibrazione e che il nostro battito cardiaco acceleri.”
Quindi, se quasi nessuno viene più a vedere i musicisti suonare o a sentire una voce ben accordata, cosa ci aspettiamo esattamente dalla musica pop dal vivo? Cantó esordisce spiegando cosa non cerca: “Ci sono artisti che sono molto bravi a suonare, ma non sanno trasmettere. A cosa mi serve avere un gruppo con tre chitarristi se guardano per terra, non comunicano con il pubblico e non ho un’esperienza diversa da quella che ho a casa. Per avere l’alta fedeltà ho già un CD o un vinile che è più che sufficiente, e se voglio competenza vado al conservatorio; Quello che cerco dal vivo è qualcosa di molto più criminale.” Sáez è d’accordo e aggiunge: “I Placebo hanno nascosto i musicisti che non erano nella band dietro il sipario. Quindi non li vedrebbero. Quella è musica dal vivo? Forse le persone che mettono in sequenza tutta la musica sono più reali, perché in verità la musica ora è fatta più così, tutte le persone che suonano contemporaneamente su un palco è qualcosa che non accade più negli studi o quasi nei locali delle prove. .
L’autore di argomenti come Raffaella O Non voltarti Pensi che i musicisti cominciano a stancarsi di certe richieste che hanno poco a che fare con il loro vero modo di lavorare o con il modo in cui comprendono il loro suono: “La discussione su cosa conta o no, o cosa è reale o cosa si finge nella musica? , non importa.” Smette di essere qualcosa per riempire le conversazioni, perché l’unica realtà, per me, è ciò che le persone provano quando ascoltano musica o guardano un concerto. Se per te funziona, se ti entusiasma, se ti fa vibrare, vai avanti”, conclude Sáez. “Vibrare” ed “emozionarsi”: siamo finalmente vicini ai motivi per cui spegniamo le cuffie, facciamo la fila sotto la pioggia o con il sole e siamo disposti a pagare un biglietto d’ingresso non sempre conveniente. “Voglio godermi le canzoni, alzare il volume e condividere con gli altri l’esperienza di ascoltare in uno spazio comunitario ciò che avevamo ascoltato nei nostri spazi personali. “Ciò che conta per me è l’incontro faccia a faccia con l’artista”, spiega Cantó, che ha assistito a migliaia di concerti negli ultimi anni, sia come professionista che dalla pista da ballo.
Quindi un concerto è più un incontro faccia a faccia con un artista che un esame per verificare come esegue le sue canzoni. Rispetto ai fan irascibili, i professionisti sanno bene che la musica pop riguarda soprattutto emozioni collettive. E dov’è il suono, dal vivo o no? Cantó non è molto ottimista: “Affinché ci sia un buon suono, la prima cosa è che non ci siano spettacoli in stadi impossibili da sonorizzare. Così come è impossibile fornire suono in molte delle stanze in cui entriamo. Alla fine, una persona che canta a cappella con una chitarra acustica suona molto meglio del concerto altamente compresso di Taylor Swift. Possiamo piangere quanto vogliamo, ma nemmeno lo spettacolo di Bruce Springsteen, qualunque sia il prezzo del biglietto, funzionerà a livello sonoro. Lo vediamo nei club o nei festival dove i palchi si sovrappongono e sembra che i musicisti stiano litigando”.
Questo, e non la proposta scenica di ciascun artista, potrebbe essere problematico. Aguilar, che gestisce anche la piccola etichetta 4ea, lo riassume così: “Mi piacciono i progetti semplici o minimalisti per coerenza artistica, ma se paghi un biglietto caro, la cosa normale è chiedere uno spettacolo all’altezza tutti i fattori”. E molte volte, negli spettacoli con numerosi cambi di scenografia, decine di ballerini, diversi costumi e articoli pirotecnici, il suono, sia programmato che dal vivo, non c’è.
Puoi seguire ICON su Facebook, X, instagramo iscriviti qui al Notiziario.
