Nel cuore della fotografia del peruviano Milagros de la Torre batte un profondo impegno per la memoria, una costante esplorazione del passato e delle sue complessità. Dalla sua prima mostra personale a Parigi negli anni Novanta ai progetti più recenti … ha tessuto una narrazione visiva che sfida, provoca e rivela l’intersezione tra Identità, storia e violenza nell’America Latina.
In una calorosa conversazione con ABC dalla sua casa di New York, dove vive da 20 anni, De la Torre ha condiviso il suo viaggio da Lima alla Grande Mela, svelando i fili che hanno intrecciato il suo percorso artistico per più di tre decenni. «Ho lasciato Lima molto giovane, a 18 anni, perché a quel tempo non c’era uno spazio specializzato in cosa fosse l’immagine.»
La sua idea “è sempre stata quella di lavorare con l’immagine, con la fotografia, ed è per questo che ho viaggiato da Lima a Londra, dove ho studiato all’Università Università delle Arti». Successivamente ha ricevuto una borsa di studio a Parigi e da lì in Messico. Dieci anni dopo divenne mamma e decise di trasferirsi a New York. «Siamo venuti come tutti gli immigrati, con due valigie: il lavoro in una, i vestiti nell’altra. Ma “Londra mi è molto vicina”, ammette, “e ora anche mia figlia studia lì. E questo è stato in qualche modo come un ritorno.
La creazione di De la Torre si nutre della sua esperienza personale e del suo Storia famigliare, segnato da suo padre, responsabile dell’intelligence in Perù. «Abbiamo vissuto preparati alla possibilità di subiscono violenze a causa del loro lavoro», rifletteva sulla sua infanzia. Questa precoce consapevolezza del pericolo e della violenza politica nel paese influenzerà il suo approccio artistico, trasformandola in un’osservatrice silenziosa e riflessiva fin dalla tenera età.
«Mi rendo conto fin da piccolo che, a causa della mia situazione familiare, abbiamo vissuto un’infanzia molto diversa da quella delle altre persone», in un «tempo in cui c’era il Sentiero Luminoso in Perù, diversi gruppi terroristici… Da da giovanissimo ero molto attento, molto tranquillo, lei era un po’ indietro nell’osservare tutto quello che è lo spazio. Ciò ha anche rafforzato l’idea di osservare sempre, vedere sempre, analizzare sempre. Mi interessava molto la fotografia per il fatto, anche fisico, di stare dietro una macchina fotografica, di osservare e concentrarsi su un fotogramma un tipo di realtà.
Era questo sensibilità al dolore e la complessità dell’esperienza umana che ha portato De la Torre a intraprendere un viaggio alla scoperta di sé attraverso la fotografia. Ha trovato ispirazione nelle strade di New York, dove la vita quotidiana si svolgeva come un dramma umano in continua evoluzione. Persone, paesaggi urbani e momenti fugaci sono diventati i soggetti della sua esplorazione artistica.
Sarà però il viaggio di ritorno in patria a segnare una svolta decisiva nella sua carriera e a plasmare indelebilmente il suo approccio artistico. Ha incontrato il ‘minuti fotografi’artisti di strada che hanno offerto ritratti istantanei utilizzando tecniche di sviluppo rudimentali, un’esperienza illuminante che lo ha portato a mettere in discussione le nozioni convenzionali di bellezza, identità e potere in America Latina.
“Sotto il sole nero”
È così che è nato “Under the Black Sun”. «Sono molto stupito dalla tecnica di questi fotografi in piazza. Avevano delle macchine fotografiche a scatola, con le quali hanno scattato la foto, in bianco e nero, dell’individuo di Cusco, che è un indigeno dalla pelle color rame. Si scatta la foto direttamente sulla carta fotografica, la si sviluppa all’interno della macchina fotografica e ne risulta una piccola negativo formato passaporto che portano all’aria, lo asciugano molto velocemente con il sole molto forte di Cusco e con un gesto molto automatico che mi ha scioccato: con un pennello e un po’ di mercurio al cromo – che è questo medicinale che si usa per i tagli come disinfettante, con una tintura rossa –, hanno dipinto il volto della persona fotografata. Solo la pelle, non gli occhi. Lo avrebbero asciugato di nuovo, lo avrebbero messo davanti alla macchina fotografica e lo avrebbero rifotografato. Il risultato fu che, all’interno della camera, il positivo. Cioè, adesso la fototessera.
«Quello che è successo è che questo colorante rosso ha dato, una volta rifotografato, uno schiarimento alla pelle. E le persone, non so se fossero consapevoli di questo cambiamento nel colore della pelle, ma accettavano i risultati come per dire: “Ah, sto bene”. Cioè, ‘mi piace il mio aspetto o come mi fa vedere il fotografo». E hanno usato queste immagini per i loro documenti. «Sono scioccato dall’idea che l’idea con cui avresti avuto un aspetto migliore fosse nelle mani di un fotografo. pelle bianca. Con la pelle del colonizzatore, con l’idea che se sei più bianco, lo sei più bello sei più istruito…» Poi decise di utilizzare la stessa tecnica, lasciando il procedimento solo a metà, «con l’immagine del soggetto in negativo e con la medicina che gli copriva ancora il volto», e proponendo così una riflessione sull’«idea di identità di popoli colonizzati dopo 500 anni”, sfidando la percezione di bellezza e potere.
L’impatto di “Under the Black Sun” è stato immediato e duraturo, affermando de la Torre come una voce singolare nel mondo della fotografia contemporanea. Da allora, ha continuato ad esplorare temi di Memoria e violenza in America Latina attraverso una varietà di progetti, mostre e collaborazioni.
Violenza politica
L’influenza del suo lavoro si diffuse, come testimoniano le sue serie “I passi perduti”, che si concentra sugli oggetti incriminanti utilizzati nei casi giudiziari in Perù ed esamina l’eredità della violenza politica in un paese segnato dall’impunità e dall’oblio. «Trovo questi oggetti nel Palazzo di Giustizia, in un archivio di oggetti che furono presentati come prova in cause riconosciute o in processi con notevoli ripercussioni. A Lima ci sentivamo un po’ chiusi rispetto a come era il resto del mondo. La violenza era quotidiana, era a momento piuttosto crudo».
Ha chiesto l’accesso al dossier. «Comincio a lavorare con questi oggetti incriminati e ne propongo una visione utilizzando l’idea della tecnica del XIX secolo, quando lo sviluppo dell’obiettivo fotografico non copriva completamente quella che era la visione della macchina fotografica. Vale a dire, si concentrava solo sul centro e aveva questa specie di cerchio o alone attorno ad esso, e il resto andava nell’oscurità perché la luce non entrava. Quindi utilizzo questa tecnica per proporre a visione focalizzata di ciò che ci stava accadendo. Se ad esempio si tratta di un coltello usato in un omicidio, la lama è ciò che viene messo a fuoco e il resto va via, fuori… Al buio, a quell’idea di storia e di spazi, di segmenti che non conosciamo».
Il lavoro di Milagros de la Torre continua a sfidare e provocare, aprendo un dialogo sulla storia latinoamericana che continua a risuonare nel cuore del suo lavoro. Dalle strade di Lima ai corridoi del musei più prestigiosi del mondoOppure ha tracciato un percorso affascinante sulla complessità e la ricchezza identitaria del territorio che ha vissuto in prima persona. Il suo lavoro è stato ampiamente esposto e fa parte di collezioni permanenti nei principali musei di tutto il mondo, tra cui il Museum of Modern Art di New York, il Museum of Fine Arts di Houston e il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid. «Sento che tutte le serie, tutti i lavori, sono molto vicini. Con molta storia personale in loro e ovviamente con questo contesto molto più ampio che risuona anche che è la nostra storia pubblica, la nostra storia generale”, riflette.
In tutto quello che fa “c’è sempre molta ricerca, non solo storica, ma anche di concetti, di idee, di lavoro per creare l’idea, la proposta, molto prima che l’immagine venga scattata”. «Quello che faccio è semplicemente proporre idee e concetti e lasciarli fare le persone interpretano lavoro, con una visione critica e personale.
Sua figlia ha lasciato la casa e ora si trova in una nuova fase. “Sto facendo una sorta di bilancio generale della mia carriera” e anche “pensando al futuro”. frattura dell’immagine, nell’intelligenza artificiale, nel modo in cui cambierà la nostra visione. Ma soprattutto: “Sono davvero impressionato da quanto sia facile tornare a ciò che ami, sentendomi come quando avevo 21 o 22 anni. Attualmente sto lavorando alla Smithsonian Artist Research Fellowship a Washington, un’importante borsa di studio per artisti che includono ricerca e studio nei loro metodi creativi,” spiega, precisando che “si tratta del più grande complesso di ricerca, formazione e museografia al mondo. mondo, e assegnano borse di studio ad artisti, una volta segnalati da istituzioni o persone stimate nel mondo dell’arte, per proporre uno specifico progetto di ricerca. Mi è stato consigliato da Jorge Rivas, curatore del Denver Art Museum, e dopo aver fatto la mia proposta di studio sono stato selezionato.
Secondo fonti del centro, “De la Torre studierà la storia della visualizzazione, manipolazione e programmazione del volto umano alla National Portrait Gallery”, dove “attraverso la sua ricerca esplorerà il rapporto tra rappresentazioni del volto e contesti sociopolitici.” che li producono.
