“L’opera respira su qualcosa che non potrebbe essere” | “Sono qui senza fine”, scritto, diretto e interpretato da Leticia Coronel

Letizia Coronel È regista, drammaturga e insegnante. Per il suo lavoro Sono qui senza finescritto, diretto e interpretato da lei, attualmente in scena Studio gli occhiali la domenica alle 19:00, ha ricevuto il Premio Germán Rozenmacher per la Nuova Drammaturgia. È una creazione profonda e onesta, nata con l’obiettivo principale dell’autrice di condividere qualcosa con sua figlia Amanda e recitare insieme. “Nella mia mente c’era l’idea che gli sarebbe piaciuto fare questo lavoro con me. Ho immaginato più di ogni altra cosa che l’amore potesse diventare qualcosa di carino per lei”, dice.

Quel desiderio fondativo però venne frustrato, perché secondo Coronel, la figlia preadolescente pose un limite, e quel lavoro si trasformò in un lavoro diverso, interpretato infine da cinque attrici e ballerine: Nazarena Amarilla, Maira Annoni, Blanca Anzoategui, Damiana Gamarra e Jennifer Hernandez. Tutti guidati anche dalla direzione artistica di Lisandro Rodríguez. “Sono qui senza fine “È un omaggio a mia figlia, il gesto di lasciare il mio amore di madre sulla carta per il resto della sua vita”, spiega la sinossi dell’opera.

Fin dall’inizio dello spettacolo, Coronel è onesto, si mette di fronte al pubblico e dice di aver scritto lo spettacolo per sua figlia Amanda, che non condivide la sua passione per il teatro, che ha partecipato alle prove iniziali ma alla fine “si è dimessa, ” affermando che Quello non era il suo spazio, né voleva che lo fosse.

Sono qui senza fine Potrebbe anche essere definita come un’esperienza, attraversata da un processo creativo “meramente energetico”, che contiene elementi che non possono essere pienamente compresi. “Lego il lavoro al mistero, come quando si dice ‘l’amore fa i genitori.’ Quanto non sai dei tuoi genitori e non lo saprai mai. C’è qualcosa di quest’ordine, di non sapere, che penso sia ciò che questo materiale ha”, dice Coronel.

-Come è nata l’idea di scrivere l’opera? a che punto della tua vita?

-Ho iniziato a scriverlo circa due anni e mezzo fa, e la verità è che i miei ricordi sono un po’ confusi. Da un lato, ricordo che Amanda era entrata nella sua preadolescenza e quella perdita cominciò a ferirmi. Non sapevo davvero come risparmiare tempo insieme. Così ho pensato di scrivere uno spettacolo teatrale con l’obiettivo di vedere se potevamo condividere un’esperienza in altri ruoli. Nella mia mente c’era il pensiero “Amanda lo adorerà”. Ma quando abbiamo iniziato a provare, Amanda è stata molto chiara nel dire: “Questa è la tua vita, non la mia. Questo non è il mio spazio e non voglio che sia il mio spazio”. È stato un momento forte e un altro dolore accettare che questo desiderio non fosse condiviso. Un altro motivo, anche se più inconscio, è stata l’idea di parlare di colpa in relazione al lavoro e alla professione artistica, e di come questa incida sui bambini. Mi chiedevo cosa resta loro, perché a volte può essere insopportabile.

-E com’è stato il cambiamento, senza Amanda, verso quello che è il lavoro adesso?

-Non ero molto consapevole di quanto fosse profondo il lavoro o della sua area più dolorosa. E quando mi ha detto di no, ho cominciato a leggerlo ad amici e altri colleghi che hanno cominciato a dirmi “questo lavoro è davvero forte, in realtà stai parlando di morte, crescita, un sacco di cose”. E lì ho messo i piedi per terra e mi sono preso cura del dolore che aveva il materiale, la paura più universale che nulla duri per sempre e che i rapporti più primari della famiglia a un certo punto scompaiano. E ho deciso di mettere in pausa il lavoro per qualche mese. Poi, nel novembre dello scorso anno, durante un laboratorio di regia con Lisandro Rodríguez, ho iniziato a lavorare con questo materiale. Durante le prove, mi sono reso conto che lo spettacolo aveva una profondità che non potevo controllare. Sentivo che era qualcosa di più grande di me e che le risposte sarebbero emerse durante il processo di prove. Alla fine, quando ho capito che dovevo essere presente e raccontare al pubblico il motivo per cui lo avevo fatto, il lavoro ha cominciato a circolare.

-All’inizio dell’opera dici che è un materiale fragile, dove sta per te la fragilità dell’opera?

-Sento che l’opera stessa è un materiale incompleto e che può cadere continuamente. È la sensazione fisica che ho, che se faccio un passo sbagliato può rompersi. E capisco che questo è associato alla sua origine materna: L’opera è nata per mia figlia, ma lei non c’è. Anche se le attrici sono lì, l’opera respira su qualcosa che non potrebbe essere. C’è qualcosa di rotto e una sensibilità sofisticata nella sua fragilità. Se fai qualcosa di troppo, si rompe; un surplus può ucciderlo.

-Il lavoro parla fondamentalmente della morte e della maternità. Com’è stato dirigere un’opera che si apre alla vulnerabilità ed espone temi così personali?

-Quando lavoravo con gli amici, a livello personale, non mi sentivo esposto. Che sì, artisticamente è stato difficile perché sentivo di non avere gli strumenti per lavorare sullo spettacolo, perché la drammaturgia era incompleta e all’inizio non capivo come recitare. Ho fatto delle prove molto teatrali che non hanno funzionato e poi ho iniziato per parti. E da sguardi e cose molto millimetriche si cominciò a fondare la materia.

-E quando hai sentito che era pronto per il debutto?

-A gennaio, quando le ragazze tornarono dalle vacanze, mostrammo uno dei primi dialoghi e sentii che avevo già il lavoro, che più mi allontanavo dalla nevrosi, dalla ricerca della completezza in tutti i sensi, più mi avvicinavo a il lavoro. . Ho capito che funzionavano in parti e che in seguito il tutto si sarebbe riunito.

-Cosa ritieni che gli spettatori possano imparare da questo lavoro?

–Non mi aspettavo il trambusto che ha generato nel pubblico. Penso che ci sia una certa resistenza, almeno nel mio caso, che sorge quando fai qualcosa per tua figlia partendo da una storia personale. Ma quando rimuovi un po’ di quella storia personale e ti metti in relazione con i temi più universali, semplici e viscerali dell’essere umano, è diverso. Lì ho iniziato ad ascoltare cosa stava succedendo alle persone e mi hanno raccontato cose sulla riparazione che mi hanno davvero sorpreso. È davvero pazzesco, perché vedevo l’opera come qualcosa di rotto, e ora la conseguenza è la riparazione.

Sono qui senza fine Può essere visto la domenica alle 19:00 presso l’Estudio Los Vidrios, Donado 2348 (Villa Urquiza).