Account Alfredo Alvarez Plagaro (Vitoria, 1960) che la vocazione di artista viene dalla sua famiglia. Suo padre dipingeva quadri “per amore dell’arte” e suo fratello, Moisés Álvarez Plágaro (1946 – 2011) era un pittore professionista riconosciuto dal VII Gran Premio di Pittura Basca nel 1974, quindi il “profumo di trementina” era comune nel suo casa. . Con queste premesse, il suo destino sembrava segnato e Álvarez Plágaro è noto da decenni per il suo “Immagini uguali”, alcune opere apparentemente gemelle, ma non lo sono del tutto. Un maestro della ripetizione divenuto protagonista di mostre monografiche come quella tenutasi qualche mese fa a Galleria Naharro (Madrid). Abbiamo parlato con lui del suo lavoro, della sua ispirazione e dei suoi prossimi progetti.
– Quali sono state le principali influenze sul tuo lavoro iniziale, quando utilizzavi il linguaggio espressionista nelle tue opere?
A metà degli anni ’80 erano di moda il neoespressionismo tedesco e la transavanguardia italiana, il ritorno della pittura-pittura. Ricordo che, nella mia prima mostra personale, che fu ad ARCO nel 1987, tutto era pieno di quadri semifigurativi, dipinti ad olio con toni brunastri dovuti alla mescolanza di colori complementari e ad una dita di pasta. Le mode influiscono sempre. Il problema è quando queste mode adulterano la tua linea creativa e smetti di essere te stesso.
– Cosa ti ha motivato a passare ad un approccio più astratto a partire dagli anni ’90?
All’inizio fino alle mie chiamate Immagini uguali Erano figurativi, poi i segni di quelle figure rimasero per evolvere progressivamente verso una pittura pienamente astratta. Ha cominciato a darmi sempre più piacere giocare con le forme, i colori, le composizioni e concentrarmi sulla ripetizione di ciò che era dipinto al di fuori della rappresentazione.
E quali artisti ti hanno influenzato per questo cambiamento?
Da tempo ormai, per non farmi influenzare da nessuno in particolare, cerco di farmi influenzare da tutti contemporaneamente. La tecnica è vedere tutto e dimenticare tutto. Quindi non so esattamente chi mi ha influenzato, ma so chi mi piace, eccone alcuni: Rothko, Christopher Wool, Michael Borremans, Juán Uslé, Palazuelo, Philip Guston, Oscar Murillo, François Morellet, Lee Ufan, Oteiza, Richard Serra, Rachel Whiteread, Christian Marclay, Santiago Sierra, Wilfredo Pietro…
– Cosa significa la ripetizione delle opere nella tua arte?
Se non tutto, quasi tutto. Il gioco della ripetizione non è stata un’imposizione, ma piuttosto è nato dalla dinamica evolutiva del mio lavoro. Ecco perché è sempre stato un approccio solido e non un gioco temporaneo. Georg Baselitz diceva che un’idea “fissa” può durare a lungo nel lavoro di un artista, anche tutta la vita. Penso che sia il mio caso. I miei primi lavori da professionista, a partire dal 1985, avevano una composizione determinata da una griglia in cui erano inserite tutte le tipologie di immagini.
Il problema (o, visto nel tempo, il vantaggio) è che ogni dipinto, a causa di quella composizione in ferro, appariva molto simile al successivo. Alla fine degli anni ’80 ho avuto difficoltà con il lavoro per differenziare ogni dipinto, ma così facendo ho notato che perdevo la mia personalità. In sogno mi venne la soluzione; Cosa accadrebbe se ripetessi in un altro dipinto ciò che ho appena fatto nel primo? Ecco come funziona il mio Immagini uguali.
– Come spiegheresti il dialogo tra ripetizione e differenza nei tuoi lavori? Che rapporto hanno?
Non cerco mai consapevolmente la differenza tra dipinti della stessa serie, ma poiché sono realizzati “a mano” e con tecniche a volte molto casuali, l’uguaglianza è totalmente impossibile. Nel 2020 si è verificato un evento interessante in relazione a questo dialogo. Da quando ho realizzato i primi due Immagini uguali Non avevo mai avuto alcun interesse nel realizzare quadri diversi come gli altri. Così è stato fino all’inizio di questi “tristi anni venti”.
– Una delle cose che risalta nei tuoi lavori è che sono dipinti di oggetti. Potresti spiegarlo un po’?
Mi piace la materialità dei miei quadri, dipingo su una base solida, non su un telaio con il tessuto che trema. Mi piace che abbiano uno spessore (5, 7, 14 cm) che li faccia risaltare rispetto al muro, che dia loro entità come oggetti. In questo modo ottengo in essi qualità scultoree che li valorizzano.
– In che momento creativo ti trovi? Vivi in continua evoluzione? Quale sarà il prossimo?
In quello dell’incertezza, come sempre, come tutti. Creare implica sempre evolversi, è impossibile non farlo. Quando sei giovane evolvi più velocemente e poi più lentamente. Rothko diceva che “il progresso del lavoro di un pittore andrà verso la chiarezza, verso l’eliminazione di tutti gli ostacoli tra il pittore e l’idea e tra l’idea e l’osservatore”. Ecco dove siamo, eccoci qui.
Eduardo Infante è un giornalista specializzato in lifestyle, in particolare in temi di design, interior design, architettura, artigianato e decorazione.
Per quasi un decennio ha concentrato la sua carriera nel selezionare e scrivere sugli sviluppi più interessanti in questi campi: dalla ristrutturazione di una casa all’inaugurazione di un nuovo hotel, passando per l’ultima collezione di mobili da esterno o il lancio di un libro. specializzato.
Laureato in Giornalismo presso l’Università dei Paesi Baschi, prima di unirsi al team di Elle Decor Spagna ha lavorato come redattore presso AD España, la rivista Tentaciones e l’agenzia Europa Press. Come collaboratore, la sua firma è stata comune in media come El País, Arquitectura y Diseño, Vanity Fair o El Confidencial.
Oltre all’attività di giornalista, Eduardo Infante ha lavorato come consulente di comunicazione e curatore di contenuti per studi di interior design e architettura e come copy creativo per brand del settore. Ha inoltre tenuto lezioni in diversi corsi rivolti ai professionisti dell’interior design ed è docente della materia Project Communication nel Master di Interior Design presso IED Madrid.
Nel tempo libero si dichiara un fan sfegatato dei Simpson, dei podcast true crime, della musica Italo Disco e del vermouth.
