María Blanchard, la grande signora dell’arte nonostante il cubismo e tutto il resto

María Blanchard (Santander, 1881 – Parigi, 1932) è stata un’artista con “una stanza tutta sua”, come sottolinea José Lebrelo, curatore dell’ampia retrospettiva. Maria Blanchard. Pittore nonostante il cubismoal Museo Picasso Málaga, che sarà aperto al pubblico fino a settembre.

La curatrice, che da anni è anche direttrice artistica del già citato museo di Malaga, sottolinea che ci sono diversi motivi per realizzare una mostra di questa portata su María Blanchard – sono riunite 90 opere dell’autrice cantabrica – e uno di questi ha a che fare, senza dubbio, con la “memoria” e con l'”aggiornamento della realtà dell’eredità pittorica lasciata”. L’ultima mostra di grande formato dedicata all’artista è stata 12 anni fa al Museo Nazionale d’Arte Reina Sofía.

«La figura di María Blanchard ha oggi valori e qualità molto interessanti. Era una donna nata a Santander, in una famiglia liberale e colta; ma lasciò molto presto la Spagna e si stabilì a Parigi a partire dal 1909″, precisa. L’artista si rende conto, secondo la curatrice, che “se voleva essere ciò che sentiva e ciò che intellettualmente credeva dovesse essere il suo percorso artistico, al quale si era dedicata, la Spagna non era il paese per poterlo fare”.

A proposito di questa libertà a Parigi, che attira artisti, intellettuali e appassionati di cultura da tutta Europa e anche dagli Stati Uniti, Gertrude Stein, una ricca mecenate di Picasso e Matisse arrivata a Parigi nel 1903, diceva che preferiva vivere in il paese francese perché ” “I francesi sono padroni della propria vita.” In effetti, quelle boccate di fresca aria parigina erano un’attrazione selvaggia per molti artisti che volevano trovare il loro posto nel mondo dell’arte. A Parigi c’era un ambiente moderno e all’avanguardia che era molto favorevole all’evoluzione di una carriera artistica, che era quello che María Blanchard cercava. Lì, in quegli spazi ancora pieni di artisti vestiti di miseria parigina, è dove la nativa di Santander si allinea con l’élite artistica del momento.

Parigi: espatriato e senza seguire nessuno

Riguardo a come era la sua vita a Parigi, Lebrelo allude ai concetti di espatriato e solo. Due spunti utilizzati nel catalogo della mostra da Xon de Ros, professore all’Università di Oxford. «María Blanchard lascia il suo Paese, rinuncia in qualche modo alla famiglia e alla sicurezza della lingua, non ha molti mezzi finanziari e, inoltre, non va a Parigi per accompagnare nessun altro artista maschio, cosa che oggi considereremmo sessista e che, tuttavia, era comune ad altre artiste della stessa epoca. Non era la compagna di nessun artista, che era il responsabile di quell’atmosfera di mascolinità. “Difende sempre il suo spazio e si dedica a una vita parigina impegnata e incentrata sull’arte”, sottolinea.

Il gallerista Guillermo de Osma, in una conferenza al Círculo Orellana, ha spiegato che María Blanchard “soffriva molto con il suo fisico. Aveva la gobba, una malformazione genetica, che gli procurava un grande svantaggio fisico e un fatto che, in qualche modo, lo costringeva a vivere una vita celibe, e che era anche causa di sarcasmi e sussurri alle sue spalle. Ha sofferto, e questo è qualcosa che si riflette nella sua arte. La pittura è sempre stata il suo rifugio e lei vi si dedicava completamente. Di questo rimpianto e del suo riflesso nelle sue opere, Ramón Gómez de la Serna ha detto che “aveva lo sguardo di una ragazza, lo sguardo di un uccello che sussurra con gioia triste”; mentre il poeta José Bergamín ricorda la sua immagine “magica e dolorosa”.

Giunta a Parigi, María Blanchard si immerge nell’atmosfera di Montparnasse, partecipando ai raduni del La Rotonda O Il Duomo. Iniziò subito una relazione con Juan Gris o Pablo Picasso e si iscrisse all’Accademia Vitti, fondata da Cesare Vitti a Parigi, in coincidenza con l’insegnamento del modernista spagnolo Hermenegildo Anglada Camarasa. “Le donne lì avevano il loro spazio, entravano senza problemi a lavorare in quell’ambiente di laboratorio e andavano a lezione”, spiega Encina Villanueva, nel ciclo di Donne artiste al Prado.

Lì incontra Angelina Beloff, artista russa e compagna di Diego Rivera che diventa una delle sue grandi amiche, che definisce la cantabrica “una pittrice di grande talento”. Beloff racconta nelle sue memorie che loro simpatizzavano Dal primo momento: «Ricordo che una volta, anche in una delle torri di Notre Dame, stringemmo un patto di amicizia. María ha avuto un incidente da bambina, era storta, la sua colonna vertebrale era deviata e aveva una gobba sulla schiena. La sua testa era ammirevole e i suoi bellissimi occhi riflettevano una grande intelligenza. La sua vita a Parigi fu eroica, non aveva quasi soldi, riceveva solo una piccola pensione da una borsa di studio della sua città natale.

Un’opinione condivisa da gran parte dei suoi contemporanei. Rivera la ritrae come gobba, “si alzava poco più di quattro piedi da terra. Naturalmente sopra il suo corpo deforme c’era una bellissima testa. Inoltre, le sue mani erano le mani più belle che avessi mai visto.

Un pittore cubista rischioso (1913-1919)

Lebrelo, grande ammiratore del suo lavoro, sottolinea María Blanchard che “era una donna coraggiosa che si stabilì senza conoscere nessuno in un paese sconosciuto, con poche risorse economiche, ma con le cose molto chiare negli aspetti artistici. Ben presto si unì al gruppo degli artisti più radicali e sperimentali, un piccolo gruppo che faceva cose come nessuno aveva fatto fino ad allora. È così che diventa la pittrice più importante del movimento cubista.

Da segnalare di questo periodo sono opere come La signora con il ventagliouna composizione dal carattere tradizionale realizzata attraverso piani sovrapposti, quasi come un mosaico, dove si differenzia il movimento del ventaglio, formato da sole tre forme trapezoidali di colore giallo.

Il suo modo di dipingere sfida l’ordine costituito delle composizioni più accademiche, una tendenza dalla quale è molto lontano, ma che incontra il gusto della critica e del pubblico spagnolo nei primi anni del. SXX. Nel 1915, María Blanchard espone a Madrid insieme al suo grande amico Diego Rivera, – che era in Spagna con una borsa di studio del Governo di Veracruz nello studio di Eduardo Chicharro –, nella mostra collettiva organizzata da Gómez de la Serna: I pittori completi, che ha ricevuto recensioni barbare e molto spiacevoli. “Era la prima volta che si vedeva l’arte cubista in Spagna, la critica fu feroce e molto negativa”, commenta De Osma nella suddetta conferenza. María Blanchard non esporrà più in Spagna fino al 1943 nelle sale della Galleria Biosca.

“Un altro elemento per collocare quest’artista nella memoria della storia dell’arte è la sua singolarità e il rischio delle sue composizioni cubiste”, dice Lebrero. «Ma tutto ciò non le bastò e nel 1920 abbandonò questo movimento incentrato su nature morte o temi carichi di scarso peso esistenziale, per far posto alla terza fase della sua opera: quella figurativa (1919-1932).

Ritorno alla figura umana

«Recupera la rappresentazione dell’essere umano nei suoi dipinti. Per essere onesti bisogna anche dire che il cubismo ha smesso di vendere bene sul mercato e non era più di moda. E tutto ciò, ovviamente, si ripercuote sulla produzione artistica degli artisti cubisti che anche di essa si guadagnavano da vivere. Anche il fattore economico e non dobbiamo avere paura di parlarne”, commenta l’assessore. Tuttavia, anche se la febbre cubista si stava attenuando, le opere firmate da autori cubisti maschi continuavano ad essere apprezzate sul mercato, motivo per cui mercanti d’arte senza scrupoli cancellarono il loro nome dalle opere di María Blanchard per mettere quello di Juan Gris: “Lo erano più facile da vendere e ottenuto un prezzo più alto.”

In questa mostra al Museo Picasso di Málaga, i punti salienti I bolognesi (1922-1923), acquistato dal Museo del Prado, opera che raffigura una pescatrice in costume festivo proveniente dalla regione gallica di Boulogne. Colpisce il grande berretto bianco inamidato che corona la figura, conferendole solennità e forza.

Dal suo punto di vista, Lebrelo sostiene che con questo nuovo percorso «María Blanchard diventa una grande difensore dei valori legati a una certa sensibilità femminile. Lei, che era molto avanzata, amava frequentare donne coraggiose come lei, anche se non stiamo parlando degli ambienti musicali di Josephine Baker, che trionfava nelle notti dei caffè di Parigi, o dell’ambiente degli intellettuali e delle lesbiche di Parigi. Gertrude Stein e l’intellettualità americana, ma di pensatori internazionali e nazionali, come è stato il caso di Concha Espina.

Infatti, una delle prime opere di María Blanchard era di proprietà dello scrittore: Ninfe che incatenano Sileno (1910), dipinto per il quale ricevette la Medaglia di Seconda Classe all’Esposizione Nazionale di Belle Arti. A proposito di quest’opera, Villanueva racconta un aneddoto al riguardo: «María arrivò a casa dello scrittore, con una voce sottile e un po’ angosciata, dicendo: ‘Conchita, ti ho mandato questo mamotreto affinché tu possa tenerlo in cantina se per caso tu hai la chiave. In caso contrario, lascialo prendere allo straccivendolo.’ Al che La Concha Espina rispose: ‘María, ho la chiave senza possibilità, ma il dipinto è bellissimo e non andrà nel seminterrato. Non dire cose assurde.”

La presenza di Il Comunicante

Una delle opere che si trovano nel Museo Picasso di Málaga è Il Comunicante (1914), un dipinto molto particolare che iniziò a dipingere nel 1914 e terminò nel 1920, esposto al Salon des Indépendants con successo di critica e di pubblico, e acquistato dal famoso collezionista d’arte Paul Rosenberg.

Sulla tela è ritratta una ragazza Prima comunione che sembra sospeso nell’aria, accanto a un inginocchiatoio, un altare e una parte celeste, rappresentata da quattro angeli. “Oggi il Prima comunione Sembra un argomento folcloristico, ma a quel tempo era qualcosa di molto importante”, spiega Lebrelo.

«Questa è una ragazza che si avvicinava ogni giorno di più all’adolescenza e all’età adulta. Dipinge questa donna comunicante come cruda e molto diversa dalla schiettezza di altre rappresentazioni. Sappiamo che Picasso ha dipinto anche le prime comunioni, ma queste non hanno né la forza né la carica esistenziale della pittura di María Blanchard”, conclude la curatrice.

Una donna con i suoi spazi

Dal punto di vista personale, a quanto pare, racconta Lebrelo, María Blanchard era “una donna che parlava poco nelle riunioni, era una persona che tendeva ad ascoltare di più. Direi che i suoi dipinti sono il linguaggio di cui dispone per rivendicare il proprio posto. Rappresenta quell’idea di Una stanza tutta tua, di Virginia Woolf, quel libro in cui diceva che le donne dovrebbero avere spazio e denaro per poter scrivere bene. Ciò accade anche a Blanchard, anche se, beh, non aveva molti soldi; ma ce l’ha propria stanza che è la sua arte, e direi che questa è una sua caratteristica. Ed è lì, in quello spazio, che sviluppa un lavoro che non si piega alle mode. “Lei va per la sua strada e va per conto suo.”

Difende di essere “una donna che può essere ammirata e guardata, che ha indipendenza e libertà, in un periodo in cui le donne sono solo muse o compagne, e usate per dipingere temi secondari o decorativi. “Dipinge migranti, donne anziane o spazi domestici, dove la cucina, il ricamo o la cura dei bambini sono i protagonisti.”

Nella sua ultima tappa, racconta il commissario, María Blanchard “diventa molto religiosa, vorrebbe addirittura farsi suora, anche se alla fine non lo persegue. Non credo, in ogni caso, che questo ritorno sia stato a un cattolicesimo squallido o reazionario, ma piuttosto un ritorno allo spirituale e all’intimità della casa come spazio di quiete e di riflessione. Una spiritualità tipica della donna moderna, non di chi cercava Dio nel passato.

María Blanchard morì di tubercolosi nel 1932 a Parigi, la città francese che l’accolse e, soprattutto, la capì. Un articolo da L’Intransigeant menziona l’arte cantabrica, definendola “potente, fatta di amore appassionato per la professione, una delle più autentiche e significative del suo tempo”.

@MariaVillardón