La direttrice della fotografia Hélène Louvart: “Appartengo a una generazione che faceva le cose, senza riflettere molto sulla possibilità o meno” | Cultura

Che la direttrice della fotografia Hélène Louvart sia una grande sconosciuta al grande pubblico non importa affatto alla cineasta francese, che a settembre compirà 60 anni, e quasi quaranta di loro attivi nel suo lavoro. «Ebbene, quando al cinema si elogia la fotografia si tende verso altri tipi di lavoro», risponde con un sorriso complice alla domanda sugli elogi che si sentono nella luce sciropposa in cui Vittorio Storaro ha immerso i suoi ultimi film. Non è questa la tua battaglia.

Louvart si mette al servizio dei cineasti “sempre attraverso la collaborazione e il rispetto”, e nei suoi oltre 130 lavori come direttrice della fotografia, opere potenti come Le spiagge di Agnès, di Agnès Varda; Pau e suo fratello, di Marc Recha; Ananas, di Wim Wenders; Felice Lazzaro E La chimera, di Alice Rohrwacher; petra E girasoli selvatici, di Jaime Rosales; Maya, di Mia Hansen-Løve; Mai, quasi mai, a volte, sempre, di Eliza Hittman; La figlia oscura di Maggie Gyllenhaal; Puan, di María Alché e Benjamín Naishtat; La vita invisibile di Eurídice Gusmão, di Karim Aïnouz… Ha collaborato con Claire Denis, Christophe Honoré, Jacques Doillon, Léos Carax e ora con Scarlett Johansson, che ha debuttato come regista in Eleonora la Grande. Non è che sia una pioniera come donna nel suo lavoro, è che Loiuvart è il riferimento del cinema d’autore, sia esso francese, spagnolo, brasiliano, americano… Presente a Madrid ad un seminario della prima edizione di ECAMFORUM , della Scuola di Cinema della Comunità di Madrid, vincitore della Caméra d’Or a Cannes 2021 per murina e l’Orso d’argento per l’eccezionale contributo artistico nel 2023 per Ragazzo della discoteca, Lui stacca gli occhi per una passeggiata quando cambia una maglietta in modo che il colore dei vestiti non si confonda con quello del muro dove posa.

Chiedere. L’ho vista lavorare sul set di Petra, di Jaime Rosales e mi è sembrato molto preciso. Non so se perché quel film collegava dei piani sequenza o perché di solito è così.

Risposta. Trattandosi di piani sequenza, la prospettiva adottata era strettamente legata agli attori e all’azione. Era come una terza entità. Da qui la precisione. Ogni sequenza era una biografia. Sono duttile, perché il piacere del mio lavoro sta proprio nell’adattarmi o nel capire cosa vogliono i registi. E poi cedere a ciò che vogliono. Mi batto affinché i film siano quanto più sinceri possibile.

Q. Ecco perché ripete molto con coloro che lo capiscono.

R. Se crei un collegamento capisci che c’è una continuità nella ricerca, perché cerchiamo sempre qualcosa.

Q. Qualche linea rossa?

R. Se ne vale la pena tradiamo il copione. Ad esempio, se la storia richiede luci brutte o personaggi mal fotografati, il gioco è fatto. Dipende dalla sceneggiatura, da cosa si è discusso con il regista in quella ricerca.

Q. Com’è stato lavorare con Agnès Varda? Dico questo perché Varda ha fatto la fotografa prima di diventare regista e non so come viene gestita questa situazione.

R. È stato emozionante perché ero molto attento ai telai e mi spingeva sempre a fare le cose meglio. Era molto esigente e allo stesso tempo gli piacevano le mie proposte. Dalla nostra comprensione reciproca è nata una vera intesa. Agnès è stata molto precisa, ma sapeva che se le proponevo qualcosa, c’era qualcosa di interessante.

Q. Le spiagge di Agnès È un buon esempio di film apparentemente semplice che nasconde una grande complessità.

R. Già, perché sembrava che fosse stato girato nel suo patio, e in realtà è stato girato in uno studio con illuminazione artificiale, sui set… Ma sono stato molto onesto e ho girato una ripresa in studio perché ho capito che la gente non poteva essere ingannato.

Q. E ti interessa l’opinione degli spettatori?

R. Mi piace quello che faccio. Mi piacciono i film a cui lavoro e ci tengo ad essere onesto con me stesso. Tutto il resto, qualunque sia il significato di paragone, è un sistema nel quale io non entro affatto. Vediamo, sarò più preciso. Non sempre mi è piaciuto il risultato di quello che faccio. Sono molto critico con me stesso, ma quello che non sto cercando di fare è impressionare.

Q. Hai finito di studiare alla scuola Louis-Lumière di Parigi [Louvart nació en Pontarlier, al este de Francia] e andò direttamente a lavorare come direttore della fotografia. Come è stato così facile?

R. In modo organico. A scuola, dove ho studiato Immagine, ho realizzato cortometraggi. Ho continuato a collaborare con i miei compagni di classe, sono passato ai documentari e non ho più smesso. La gente ti chiama per quello che hai fatto, sostanzialmente, e io ho concatenato progetti.

Q. Avevi qualche riferimento? In Europa le donne direttrici della fotografia si sono contate prima di te.

R. Infatti, quando ho iniziato non avevo alcun riferimento femminile. I miei riferimenti erano i film e non mi concentravo su una persona specifica. Appartengo a una generazione che ha fatto delle cose, senza fermarsi a riflettere molto sulla possibilità o meno di farle.

Q. In qualche occasione, hai dato la priorità a lavorare con una regista donna piuttosto che con un regista uomo, o hai cercato di sostenere le registe donne?

R. Non mi adatto affatto a questo approccio maschile-femminile. Ciò che penso sia fantastico è l’identità, il modo in cui ogni persona è indipendentemente dal proprio genere. E che ci siano uomini e donne in tutte le squadre, questo è ciò che rende il lavoro interessante. Sapete a cosa dò molta importanza? All’atteggiamento, al comportamento. Accetto sempre meno uomini e donne che hanno comportamenti che non mi piacciono.

Q. Ti riferisci a quella concezione del cineasta nel filmare come se fosse un generale che prende il controllo di una spiaggia della Normandia?

R. Esatto, rimarrò su questo paragone. Siamo un esempio per chi viene dietro; Dobbiamo comportarci in modo umano e quanto più qualitativo possibile. Quando c’è una squadra numerosa bisogna prendere delle decisioni e dirigerla. Ma si può indirizzare con il dialogo, concentrandosi su ciò che si sta facendo, su ciò che vogliamo fare e, soprattutto, garantendo che non vi siano abusi di potere.

Q. La sua filmografia negli ultimi dieci anni ha incatenato un successo dopo l’altro. Come funziona?

R. Scelgo in base a tre fattori. Per prima cosa analizzo se dietro una sceneggiatura c’è qualcosa, non è solo un’altra storia. Poi se chi dirigerà il film è sincero rispetto a quella sceneggiatura e a quel tema. E in terzo luogo, capire se il regista è disposto ad andare un po’ oltre. Perché andare un po’ oltre richiede ricerca, richiede ricerca e richiede lavoro. Il regista è qui per divertirsi o è davvero un lavoratore?

Q. Sei preoccupato per il futuro della tua professione, quando i film sulle piattaforme digitali saranno tutti uguali nella fotografia, piatti e saturi di colore?

R. Penso che il cinema abbia un’esistenza parallela alle piattaforme. È fuori dalle piattaforme digitali e continuerà ad esistere perché proprio le piattaforme hanno bisogno di questo tipo di film come vetrina. E allo stesso tempo entrambi gli stili rimarranno paralleli perché hanno bisogno l’uno dell’altro. Personalmente ho scelto il cinema… per tutti i motivi che puoi immaginare.

Q. Ora è il momento di girare di nuovo in Spagna.

R. Presto inizierò le riprese a Vigo. Pellegrinaggio, di Carla Simone. Conosco molto bene Carla, perché effettivamente la prepariamo insieme Alcarràs. Poi le riprese sono state rinviate a causa del COVID e non ho potuto più farlo con lei. È una regista che lavora e che è sincera riguardo al suo argomento. E questa proposta è di enorme qualità.