Cybèle Varela, la testimonianza del Brasile controculturale che la dittatura non poteva fermare: “La strada è stata la mia vera scuola” | Cultura

Quando il Dipartimento dell’Ordine Politico e Sociale (DOPS), responsabile della censura e del terrorismo di stato contro gli oppositori del regime militare brasiliano, effettuò l’ispezione di routine della nona Biennale d’Arte di San Paolo (1967), trovò due opere che lo misero a disagio. . Una era la serie di cinque dipinti sulla bandiera brasiliana di Quissak Junior e l’altra era una scatola di legno dipinta di Cybèle Varela (Petrópolis, 80 anni), un’artista allora emergente, che partecipò a mostre collettive e vinse i suoi primi premi. Il suo lavoro, intitolato O presente (The Gift), simulava un pacco regalo all’interno del quale lo spettatore trovava il torso di un soldato ritratto sulla mappa del Brasile. Dal suo petto, con l’aiuto di una molla, è saltato fuori un cuore di schiuma con un verso dell’inno alla bandiera brasiliana: “Ricevi l’affetto che è racchiuso nel nostro petto giovanile”. Sarcasmo e acidità di un artista 24enne che ha sfidato la dittatura instaurata nel 1964 per conquistare l’affetto dei giovani. L’opera è stata rimossa dalla mostra, ma ha segnato lo spirito della produzione di Varela: catturare una generazione che, pur governata con mano pesante, ha cercato nuovi modi di vivere, esprimersi e vestirsi, lasciando la radicata tradizione cattolica e abbracciando la controcultura degli anni sessanta.

“Ero molto triste [con la censura de O presente] perché è stato realizzato proprio per interagire con il pubblico. C’era un clima di tensione e sfiducia in quel momento. “Un cugino di secondo grado è scomparso e fino ad oggi suo padre non ha potuto seppellire il suo corpo”, ricorda Varela dal suo appartamento di Madrid, la città che è stata la sua casa per sei anni e dove lunedì presenterà il suo libro. Traiettorie dell’editore italiano Silvana. La pubblicazione pone l’accento sul suo primo periodo artistico che si sviluppa in un periodo di profonde trasformazioni in Brasile. Oltre che nella dittatura, l’effervescenza culturale era palpabile nelle molteplici correnti che emersero in tutte le arti e cercarono una rottura con il passato, come la Nuova Oggettività Brasiliana (a cui Varela aderì), la musica tropicalia, Cinema Novo o il movimento della Musica Popolare Brasiliana (MPB). Scrive il critico d’arte Paulo Miyada Traiettorie quella “opinione” è la parola più adatta per definire quella generazione: “Non a caso veniva usato in quegli anni come nome di mostre, spettacoli musicali, gruppi teatrali, rassegne teatrali e giornali”.

Il trittico di Varela Di tutto ciò che può essere (1967), esposto nella mostra Il mondo diventa pop (2015) dalla Tate Modern di Londra, sintetizza questo desiderio di abbandonare il conservatorismo e costruire una nuova idiosincrasia. I dipinti che lo compongono sono sequenziali e raccontano una scena urbana. Nella prima, da un lato della strada si vedono due adolescenti che indossano la minigonna (simbolo di ribellione reso popolare dalla modella Twiggy) e dall’altro due suore; Nella seconda si incontrano alle strisce pedonali e nella terza si presentano con gli abiti scambiati: la suora indossa una minigonna e la ragazza indossa l’abito religioso. In tutti e tre i dipinti compare un cartello stradale: “Continua avanti”. “Volevo mostrare la strada come unico punto di contatto tra due mondi, due tempi”, afferma l’artista.

La transizione del Brasile negli anni Sessanta non colpì solo la sfera culturale, ma anche la popolazione e la società. La demografia urbana si è ampliata con la migrazione rurale-urbana – il sud-est, la regione più popolata del paese, ha perso il 43,2% dei suoi abitanti rurali negli anni Sessanta -, con l’espansione del sistema educativo e con l’ingresso di un maggior numero di cittadini medi donne di classe nel mercato del lavoro. Questo compendio della diversità è rappresentato in un altro trittico, Pedoni (1967). Uomini neri, donne bionde, uomini in cravatta e cappotto, hippy, contadini, polizia militare e commercianti ambulanti si incontrano al semaforo rosso. “Le scene urbane, i venditori ambulanti, i personaggi che coincidevano sulle strisce pedonali hanno attirato la mia attenzione.”

Un altro dipinto che mostra l’agitazione e la crescita della città è scene di strada (1968). “La strada, la cultura della strada, delle masse. Quella era la mia vera scuola. Ciò mi ha formato e mi ha dato una base. Non era Ivan Serpa [su profesor en el Museo de Arte Moderno de Río], né mio padre. C’è stato un aiuto ma ho preso le basi dalla cultura di massa, sono rimasta colpita dai colori della strada”, ha detto Varela a Valentina Locatelli nel 2018, che è stata curatrice di diverse sue mostre. La pluralità delle nuove identità e delle proposte culturali che le rendevano visibili ha subito un duro colpo con la storica Legge Istituzionale n. 5, che ha sospeso i diritti politici, istituzionalizzato la repressione violenta e ampliato i poteri del generale e presidente Artur Da Costa.

La dittatura spinse Varela ad autoesiliarsi a Parigi nel 1967 e da allora non è più tornato a vivere in Brasile. Dopo la Città delle Luci è arrivato il soggiorno a Ginevra, poi a Roma e dal 2018 nella capitale spagnola. “Penso che a Madrid ci sia una maggiore attività per l’arte contemporanea. «Le persone che vanno a Roma tendono a vedere i maestri classici», giustifica la decisione di trasferirsi. Il suo lavoro Il bacio (1967) è stato acquisito alla fine dello scorso anno dalla Reina Sofía, che l’ha definita “una delle artiste brasiliane più importanti della seconda metà del XX secolo”, e faceva parte della mostra Un tempo tutto tuo (2023) dal Pompidou di Malaga.

In un’intervista del 2018 ha detto che sentiva che i brasiliani non sapevano chi fosse Cybèle Varela. Oggi assicura che la sensazione è scomparsa. “Ho avuto quella sensazione perché mi sono trasferito in Europa molto giovane e questo mi ha allontanato. Nonostante ciò espone ogni due anni alla Galleria Bonino di Rio. Avevo molta nostalgia ma ha ucciso la saudade con i miei quadri”. Nei suoi primi anni all’estero continuò a rappresentare quella società in cambiamento che aveva lasciato dall’altra parte dell’Atlantico. I mass media furono un altro dei suoi obiettivi, soprattutto la televisione, che raggiunse ogni angolo del Paese con la fondazione di TV Globo nel 1965.

La divulgazione di Scatola sciocca ha portato la trasmissione del concorso di Miss Brasile che ha trasformato le vincitrici in vere star che hanno abbellito le copertine delle riviste. Varela ha ironizzato sulla gara Miss Brasile e il cigno (1968), in cui, con colori forti e figure semplici, dipinge quattro donne identiche per eliminarne le soggettività e riprodurle come modello di consumo, standardizzato, ripetuto e usa e getta. La donna tornerà poi ad essere protagonista del suo lavoro, ma prima, negli anni Settanta e Ottanta, attraversa una fase concettuale in cui studia la luce, gli effetti dell’ombra e le forme geometriche che proietta sul muro. Ha fatto esercizi leggeri con pittura, fotografia e video nelle immagini (1976), acquisito dal Museo Pompidou di Parigi.

La figura femminile ritorna nei dipinti L’artista 1 E L’artista 2, entrambi del 1999. Utilizza un’ambientazione surreale per rappresentare se stessa mentre dipinge ma la si può anche vedere, in altre immagini più piccole all’interno della stessa opera, mentre svolge i lavori domestici: cucinare, stirare. “Ciò dimostra la difficoltà per una donna di avere una carriera e allo stesso tempo dover occuparsi delle faccende domestiche. Era molto difficile. A volte dovevo andare nelle gallerie per incontri professionali con il mio bambino perché non avevo nessuno con cui lasciarlo. In altri dipinti come Niente da dichiarare (2010) o Pericolo (2012) proietta i movimenti femministi più accaniti come ninja armati di katane e spade.

Pur non avendo mai fatto parte di gruppi femministi, Varela è consapevole che il suo lavoro è in fase di rivalutazione – è stata protagonista di una retrospettiva nel 2018 a Basilea e di un’altra nel 2023 al Museo di Arte Contemporanea di San Paolo – grazie a un movimento che sta rivalutando il lavoro di donne che ai loro tempi erano invisibili. Si ricorda, tra l’altro, di quando era l’unica artista donna inclusa nella mostra itinerante 30 creatori , che comprendeva rappresentanti del movimento Figurativo Narrativo, come Peter Klasen o Pierre Alechinsky. “La scena allora a Parigi era molto mascolina, c’erano colleghi scortesi e maleducati, ma la cosa non mi ha toccato perché sentivo l’appoggio della critica che mi ha sempre sostenuto”, ricorda Varela a cui erano dedicati gli articoli. le Monde E Il Figaro e ha anche avuto un incontro con Dalí.

Sebbene le questioni sociali siano trasversali al suo lavoro, Varela non si è mai considerata un’artista politica. Ha costruito la sua percezione del suo ambiente sulla base della sua esperienza in un paese così particolare in un momento così eccezionale, che l’ha portata ad affrontare le contraddizioni del suo tempo. La sua immaginazione è composta dalle immagini che vedeva durante i suoi viaggi quotidiani in autobus dalla sua nativa Petropolís a Rio de Janeiro per studiare al Museo di Arte Moderna. Dai colloqui dopo le lezioni con i compagni e poi con i rappresentanti della Nuova Oggettività Brasiliana (Rubens Gerchman, Claudio Tozzi). “Ho preservato la mia identità di brasiliano attraverso i miei colori. I colori, le persone, i suoni del Brasile sono forti e unici.”

A 80 anni continua a produrre nuove opere, che tiene segretamente con sospetto nel suo laboratorio finché non vengono esposte pubblicamente. Produce per “soddisfare un bisogno” e non vede alcuna fine in vista: “Diventa più difficile con l’età, ma non impossibile. È più faticoso, devo stare in piedi, ho bisogno degli occhiali per vedere da vicino e approfitto di quando non mi trema il braccio per fare delle linee rette, ma continuo a lavorare”. Gli piace parlare della sua tenacia e la illustra con un passaggio della giornalista e critica d’arte madrilena Rosa Olivares in Traiettorie: “La naturalezza con cui Varela coglie nuove forme la inserisce in quel gruppo di artisti che hanno rinnovato la pittura attraverso un’ibridazione di linguaggi giovani e sperimentali, e su ciò si basa parte della sua attualità e persistenza nel tempo.”