È morto a 87 anni l’artista Frank Stella, precursore del minimalismo | Cultura

Il pittore Frank Stella, una figura di spicco dell’arte americana del dopoguerra, soprattutto con le sue prime opere minimaliste, è morto questo sabato nella sua casa di New York, all’età di 87 anni, a causa di un linfoma, secondo quanto riferito. Il New York Times. Nonostante le insistenze della critica, Stella si rifiutò di interpretare il suo lavoro con una famosa frase: “Quello che vedi è quello che vedi”.

Nato nel 1936 a Malden, Massachusetts, figlio di Frank e Constance Stella, lui ginecologo e lei paesaggista, iniziò la sua carriera con dipinti sobri, alcuni con poco colore e senza pretese di fornire stimoli visivi, che contrastavano con l’espressionismo astratto. . del tempo. I suoi primi lavori includevano una serie di dipinti che utilizzavano la tecnica gessato (opere di grande formato con sottili linee nere su tela bianca) che fece scalpore nel mondo dell’arte americano.

“È stato uno dei primi artisti americani ad essere educato all’astrazione e, quindi, a svilupparla e progredire in modo naturale, senza alcuna conversione traumatica”, scriveva il critico Francisco Calvo Serraller su questo giornale nel 2012.

Prima dei 25 anni, Stella era già riconosciuta come uno dei più grandi artisti americani e la sua carriera è durata sessant’anni. Dopo aver terminato la sua laurea in Storia all’Università di Princeton, il giovane artista aprì il suo studio a Manhattan, dove iniziò a lavorare sui suoi dipinti dai toni scuri. “Tutto ti sembra vivo e favoloso quando sei giovane”, ha detto in un’intervista a questo giornale in occasione di una retrospettiva all’IVAM di Valencia nel 2012. “Una cosa bella di quel periodo è che in realtà c’erano pochi noi. Potevi incontrare tutti, persone con interessi comuni si riunivano. Il mondo dell’arte non era molto grande. Oggi è totalmente diverso, ci sono innumerevoli artisti, gallerie, musei, mostre”.

Dalle vernici nere al colore

Grazie alla tua serie Dipinti neridipinti di grandi dimensioni costituiti da strisce scure appena separate da linee di tela non dipinta, raggiunsero la celebrità opponendosi alla corrente dell’espressionismo astratto dominante negli anni ’50. Furono accolti come una sfida alla tendenza dominante, rappresentata con grande peso da Pollock o De Koonig, e furono decisivi per la nascita del minimalismo.

“Sebbene Stella fosse molto consapevole della grandezza del contributo dell’espressionismo astratto in generale, sentiva il bisogno di fare qualcos’altro, qualcosa di simile a ciò che Jasper Johns e Rauschenberg avevano già intrapreso – la conversione della pittura in un oggetto – ma in modo uniforme modo più radicale”, scrive Calvo Serraller. Quattro di queste opere furono incluse nell’ormai leggendaria mostra del 1959 Sedici americani al MoMA di New York, una mostra collettiva di cui Stella è stata la partecipante più giovane, mentre tiene anche la sua prima personale presso la galleria di Leo Castelli.

Lo stesso Stella non aveva ben chiaro la sua reazione all’espressionismo astratto, come ha ammesso a questo giornale: “Non credo che la mia sia stata una reazione contro l’espressionismo astratto”, ha spiegato. “Stavo solo cercando di essere il più diretto possibile. Stavo cercando di trovare qualcosa di più vicino al mio senso di coscienza. Senza filtri. Nessun dramma o ansia. Qualcosa di immediato e che avrebbe avuto un impatto. E allo stesso tempo lo si è capito per primo. “Comprensione visiva istantanea.”

Successivamente il pittore subì un cambio di registro e negli anni successivi si rivolse alle opere colorate, così caratteristiche del suo lavoro, alcune ancora a strisce, altre con figure geometriche. In quegli anni il bordo duro (vernici dai contorni netti) prevale e l’artista sorprende il mondo con le sue tele sagomate, con il quale espone i suoi progetti in formati stravaganti, impressionanti e sempre più grandi. Verso la fine degli anni ’60 si imbarcò nell’ambizioso progetto Goniometro, una serie di grandi dipinti composti da semicerchi sovrapposti dai colori vivaci. Questo cambio di registro segnò l’inizio di un’attività quasi frenetica (gli vengono attribuite più di 10.000 opere, e poteva lavorare fino a dieci brani alla volta). Successivamente, dalla fine degli anni ’70, l’artista si lancia nella produzione di pezzi tridimensionali: conosciuti come costruzioni barocche, ogni opera è più complessa, più ricca e brillante della precedente.

“Lavorando sempre in modo sistematico, seriale e coscienzioso, è sorprendente come Stella, senza rinunciare ai suoi principi puritani, che ricordano quell’estetica igienizzata della pittura olandese, da Vermeer a Mondrian, possa portare al fantastico festival ultrabarocco di opere pittoriche, se così si possono chiamare, pirotecnici ghiacciati”, ha scritto Calvo Serraller.

Nel 1961 sposò Barbara Rose, che sarebbe diventata una rinomata critica d’arte. Il matrimonio durò fino al 1969, anno in cui divorziarono. Negli anni ’70 e ’80 si dedica sempre più a opere tridimensionali in cui incorpora alluminio e fibra di vetro, prima di realizzare sculture monumentali per spazi pubblici. Il MoMA di New York ha offerto retrospettive del suo lavoro nel 1970 e di nuovo nel 1987. Durante gli anni ’80, Stella si è lasciata guidare dalla musica e dalla letteratura, ad esempio, in una serie scultorea ispirata a Moby Dickcon forme così complesse da avere più in comune con modelli architettonici che con sculture tradizionali.

Un ampio campione di questa grande produzione è stato esposto nella mostra antologica del 2016 al Whitney Museum di New York. Con un centinaio di opere scelte dall’artista stesso e distribuite secondo i suoi desideri, la mostra ha occupato 560 metri quadrati dello splendido edificio costruito da Renzo Piano accanto al fiume Hudson. Lì si ricordò del suo pensiero più noto: “La pittura è solo una superficie piana con sopra la vernice. E niente di più”.

Su questo rifletteva, con un certo umorismo, in quella conversazione con EL PAÍS: “La maggior parte dei dipinti che si vedono oggi sono il risultato di Photoshop. È come la fotografia, la fotografia manipolata. E da quel mezzo provengono molte delle idee per la pittura attuale. Come altre forme come installazioni o performance, anche queste sono fortemente influenzate dal mondo digitale. È quello che è. “Dipingere con la pittura su tela viene in mente solo a persone come me, ai dinosauri.”